2025 台北雙年展盛大開幕！邀集全球 72 位藝術家探討「思慕」的無盡動能

第 14 屆台北雙年展「地平線上的低吟」11 月 1 日於臺北市立美術館（北美館）開幕。展覽由山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特（Sam Bardaouil and Till Fellrath，柏林漢堡車站國家當代藝術美術館雙館長）共同策展，彙集來自全球 37 個城市、72 位藝術家的作品約 150件，包含 34 件全新委託創作與現地製作，涵蓋繪畫、雕塑、錄像、攝影和表演等。

「地平線上的低吟」探討「思慕」作為持續推動人類的內在驅力，那種超越可及之物，明知無法掌握、卻仍不願退讓的動能。它既是個人也是集體的，柔弱而倔強；是將渴求連結至想像及變革的線索。展覽試圖以低聲而堅定的語調談論未來，而非高聲宣示。「低吟」（Whispers）喚起交流的脆弱性，那些即便在靜寂中仍持續的聲音、即使被抹除仍存續的故事；「地平線」（Horizon）則象徵已知與所盼之間的交會。因此，「地平線上的低吟」暗示著最微弱的呢喃也能重新定義距離，而最細微的舉動亦能改寫我們想像世界的方式。

本屆雙年展的概念基於三件看似尋常、卻富有象徵性的物件，它們並未以實體在展間中出現，卻是引導展覽情感和時間脈絡的核心隱喻：侯孝賢的電影《戲夢人生》（1993）中出現的尪仔，象徵布袋戲大師李天祿獻身於技藝的一生，體現歷經殖民統治與戰後重建的堅韌；陳映真的短篇小說〈我的弟弟康雄〉（1960）中的日記，傳達一位自盡的年輕人，在信仰與絕望之間掙扎的聲音，反映一個世代身處信念與幻滅之間的困境；吳明益小說《單車失竊記》（2015）中的單車，象徵兒子尋找失蹤父親的旅程，喚起失落、傳承和歸屬感等主題。這些文學和電影文本共同鋪陳本屆雙年展的架構，三種截然不同對「思慕」的詮釋，在展場中交織迴響：尪仔代表延續性，日記代表內在世界，而單車則隱喻追尋。

雙年展將當代作品與北美館典藏作品交織呈現，將近 30 件館藏作品分布於展場各處，與新委託創作及借件作品展開對話。其中，來自 1930 至 1980 年代的攝影作品構成貫穿雙年展的線索，呼應展覽概念的出發點——「尪仔」、「日記」與「腳踏車」；其他作品則在形式或主題上，與展場中特定作品產生共鳴。這些典藏作品不僅以歷史作品現身，更成為思慕的活性媒介，連結延續與轉化。這樣的策展方法，使曾塑造臺灣文化的藝術家，與當下回應時代現狀的創作者產生跨世代對話。

本屆展覽特別打造以紡織隔幕取代實牆的展示設計，作為展間之間的分隔。這些懸浮的元素形成具穿透性的界面，透過佈局使觀者視線能穿越展廳，創造空間連結的節奏律動。此空間策略呼應雙年展的主題脈動，引領觀眾沉浸於流動且具沉思性的觀展經驗。此外，精簡易讀的展牆文字便於觀者自行觀賞，提供每件作品的明確脈絡，並開啟理解雙年展理念的易達路徑。

策展人山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特表示：「我們希望創造一個唯有在此地能實現的雙年展，傾聽那些形塑臺北今日樣貌的歷史、語言和矛盾。我們與臺北市立美術館藏品的對話，並非懷舊之舉，而是一種紮根：當堅持深入參與在地故事時，在地便能成為關照世界的透鏡。在『地平線上的低吟』中，思慕就是那座橋樑，它始於記憶的親密之處，並延伸至地方性與普世性共享的地平線。」

一樓展區呈現探討奉獻、記憶與堅韌之間深刻連結的作品。這些作品共同闡釋對技藝、記憶與關懷的投入，如何成為一種生存之道。邱子晏（1985年生於苗栗三義）在 《偽飛行場》（2025） 中，重建一個日本殖民統治時期的誘敵機場。透過由鐵架和紙板手工搭建的零式戰鬥機，以及駕駛艙內的錄像，這個現地製作融合歷史事實與虛構敘事，檢視集體記憶的形塑過程。陳進（1907 至 1998 年，新竹）的繪畫《野邊》（1934），以寧靜卻有力的筆觸描繪在田間的婦女。她筆下的優雅女性，風格與氣質象徵臺灣追尋身分的時代精神。

納里・沃德（1963 年生於聖安德魯）的《音聲系統》（2025） 將大理石轉化為具象徵意義的揚聲器，推崇牙買加聲音文化為一種社會雕塑形式，並探索節奏如何孕育歸屬的結構。阿夫拉・阿達希里（1988 年生於阿布達比）《加重停頓》（2025）利用厚重的環狀繩索構成冥想式佈局，邀請觀者在節奏飛快的世界裡，以「緩慢」作為抵抗的形式。西爾維・塞利格（1941 年生於尼斯）的刺繡作品重新詮釋與蛻變相關的神話題材，寇拉克里・阿讓諾度才（1986 年生於曼谷）的《愛在死亡之後》（2025）打造沉浸式儀式空間，在其中，哀悼、記憶與信仰在聲響與光影閃爍中交融共生。

地下樓的作品聚焦「身體」，將其視為見證與轉化發生的場域。該樓層猶如一面地下鏡像：觀者在此深入自我內在，而思慕則透過呼吸、重複與儀式逐漸具象化。伊凡娜・巴希奇（1986 年生於貝爾格勒）作品《氣動激情》（2020–2024）和《靈變》（2025）將呼吸的動作轉化為雕塑形式，以特定節奏敲擊的石頭、玻璃容器與其中的霧氣，模擬肺部呼吸的運動，體現對昇華的渴望。克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯（1979 年生於倫敦）展出由人工智能生成的繪畫作品，重新詮釋斯里蘭卡的殖民歷史，並將政治敘事與數位抽象風格相融合，藉此質疑「自動化記憶」時代中的歷史真相。

于吉（1985 年生於上海）作「石肉」系列（2020–2024）以水泥為材料，創作看似堅實、卻又帶有脆弱感的形體，巧妙揭示身體與建築空間之間的關係。徐清波 （1930 至 2021 年，板橋）的攝影《密談》（1956）捕捉兩名男子傾身交談的畫面，身旁的單車猶如一道安靜的鉸鏈——既分隔，又連結，映照出展覽中反覆出現的追尋與失落主題。傑基・康諾利（1990 年生於紐約下哈德遜河谷）錄像作品《礦物王國（暗綠）》（2025）將個人悲傷轉化為數位地景，並運用如夢似幻的意象，讓記憶與虛擬場域相互交融。

二樓展覽將焦點轉向現代性、再現與共同歸屬等主題。展出作品追溯現代藝術脈絡，由對感知、詮釋與連結的渴望所塑造，透過思慕的視角，共同重構對世界的想像。鄧南光（1907 至 1971 年，北埔）的攝影《台北，太平町 （一） 》（1942）記錄殖民現代性背景下城市的變遷，兼具紀實的精準度和電影般的視角。陳澄波（1895 至 1947 年，嘉義）於 1920 至 1930 年代創作的明亮風景畫，呈現時代交會下臺灣的變遷風貌，體現出在地傳統與全球現代主義之間的對話。劉國松（1932 年生於安徽蚌埠）《浮動的山》（1978）突破傳統水墨畫的框架，發展出全新的抽象形式，並將古典宇宙觀與現代視角相連結。

伊娃・喬瑟邦（1975 年生於巴黎）的雕塑《此處》（2025），以分藏兩地的古典繪畫《富春山居圖》為靈感，打造出一座鏡像森林，並將分離的主題轉化為充滿反思意蘊的視覺詩篇。皮・斯塔弗（1987 年生於伯格諾里吉斯）的錄像《骸骨》（2025）將展間轉化為探討控制與抵抗的場域，透過紅外線影像與詩意敘事，檢視身體如何被規訓與解放莫娜・哈透姆（1952 年生於貝魯特）作品《小室》（2012–2013）將脆弱的紅色玻璃球圍束在鋼籠之中，以此構築出強烈的隱喻，揭示歸屬感中保護與禁錮的雙重性。

在為期五個月的展期中，「地平線上的低吟」將持續作為一個動態的平台，推出一系列表演與教育活動。展覽將於展期最後一週，以麗娜．拉蓓利代（Lina Lapelytė）的演出作結，進一步拓展她對集體之聲的探索。

臺北市立美術館館長駱麗真表示：「自創辦以來，台北雙年展始終是包容多聲並陳的平台。本屆雙年展創造出多重的動態空間，在其中辯證在地經驗與全球脈絡之間錯綜複雜的關係，並邀請觀眾在相互連結的當代現實中重新自我定位。它鼓勵我們放慢步調、鬆動成見——去傾聽周遭微弱而多樣的聲音，並一次又一次，不厭其煩且溫柔地與世界重新連結。」

展期：2025.11.01-2026.03.29
地點：臺北市立美術館